Les films de février 2026

The Mastermind de Kelly Reichardt
Kelly Reichardt a un talent : ralentir le temps. La réalisatrice réussit à transformer son récit simpliste en un ressenti très proche du personnage : la longueur de sa fuite. Le problème inévitable d’un tel talent est que l’ennui n’est jamais loin, mais, contrairement à First Cow, The Mastermind crée quelque chose d’intéressant par une double partition entraînante, l’acteur et la musique.
Présenté à Cannes dont il est reparti les mains vides, The Mastermind joue avec les codes du film de cambriolage. L’intérêt de la cinéaste n’est pas dans le casse lui-même mais dans son après, la fuite du braqueur et les difficultés qu’elle présente. Pour jouer ce voleur d’art, la réalisatrice a choisi Josh O’Connor, porteur d’énergie et de dynamisme, un dynamisme parfaitement adapté à la partition jazzy du long-métrage.
The Mastermind est un film de Kelly Reichardt, cela n’est pas une révélation. En tant que film de Kelly Reichardt, The Mastermind travaille une continuité avec First Cow, à la fois narrative (un arnaqueur / cambrioleur se retrouvant à fuir mais finissant arrêté) et cinématographique (les deux films travaillent la lenteur et l’à côté). Comme face à un cours magistral de faculté en fin de journée, on a beau essayer de ne pas s’ennuyer, la lenteur du film nous conduit à des moments d’oisiveté. La fuite de Josh O’Connor apporte ces moments de rien, de vide, d’à côté de l’histoire. Comme ces cinq minutes où il cache les tableaux volés ou encore ses promenades avec son ami.
On pense à d’autres choses quelques instants puis on revient sur Josh O’Connor qui réussit à nous reprendre dans le récit. Contrairement à First Cow, il n’y a pas que l’ennui que ce récit politiquement intéressant produit. Il y a aussi cette fois une envie, celle de suivre ce braqueur campé par Josh O’Connor.
Peut être que cela est dû à l’énergie contradictoire que porte l’acteur. Énergie qu’il n’est pas seul à transmettre, le jazz de la bande-musicale y participant aussi. On pourrait trouver cela paradoxal de marier le rythme contemplatif de Reichardt à une musique énergique et un acteur qui, même lent, apporte son dynamisme. Mais cela permet de redonner un intérêt dans le cinéma de Kelly Reichardt, un dynamisme empêchant la monotonie de s’instaurer. Le dynamisme de l’acteur et de la musique redonnent à la lenteur un rythme. La lenteur transforme le dynamisme en douceur humaine agréable. Ce qu’apportent le jazz et O’Connor à ce rythme lent est surtout de l’humanité, de l’attachement envers ces personnages.
C’est donc avec plaisir que l’on voit la réalisatrice essayer de se rapprocher d’eux. Elle n’est plus distante comme elle pouvait l’être dans First Cow, elle se sert de sa lenteur pour donner à Josh O’Connor un espace pour jouer et pour exister. Un espace pour transmettre ses faiblesses. Un espace pour créer quelque chose avec le spectateur, pour laisser de l’émotion en sortir.
The Mastermind provoque l’ennui, mais réussit à générer un attachement. Comme pour un cours magistral en fin de journée, on s’ennuie mais on apprécie un peu le cours quand le professeur change de sa formule classique.

Send Help de Sam Raimi
La dernière fois qu’on a vu un film de Sam Raimi, il s’agissait d’un blockbuster Marvel, Dr Strange 2. Mauvais film de Sam Raimi, la faute à un scénario n’ayant ni queu ni tête et à une réalisation pastiche des Spider Man du réalisateur. Bon film du MCU en comparaison au reste de l’après Endgame, à l’exception des Gardiens de la galaxie 3, grâce à une mise en scène certes pastiche mais déjà plus créative que tout ce que peuvent imaginer Jon Watts, Peyton Reed et les frères Russo réunis. Un drôle de film donc, à la fois mauvais sous l’angle du réalisateur mais bon sous l’angle du reste de son univers. Sauf que quand on pense à Sam Raimi, on pense aux Evil Dead et leur capacité d’allier horreur gore et humour. Une promesse que veut nous faire Send Help, son nouveau film plus indépendant (un film 20th Century Fox, studio pas si indépendant mais devenu la branche « auteur » de l’empire Disney). Sans attendre trop du film, juste la réponse à cette promesse de divertissement régressif, on ne peut qu’être déçu devant Send Help, ni drôle ni terrifiant et dont les seuls moments gores répondent plus à une vulgarité horrifique qu’à un plaisir régressif.
Ce survival porté par Rachel McAdams, brillante dans son surjeu malgré tout, et Dylan O’Brien, que l’on ne voit que trop peu, enchaîne les moments gênants et hideux dans sa première partie. Le personnage de McAdams est censée provoquer gêne et affection, ce qui nous gêne surtout est la qualité des effets spéciaux et de l’écriture caricaturale de l’open space. Même quand la deuxième partie débute, l’île déserte renversant les codes, on retombe vite dans la gêne du début : comment avoir peur pour Rachel McAdams face à ce sanglier en CGI ridicule ? On pourrait presque croire que Sam Raimi ait bel et bien décidé de revenir au style Evil Dead, alliant horreur et ridicule. Mais où se trouve ce mélange dans le reste du film ? Le ridicule paraît non intentionnel et fait souffler plus que rire, là où l’horreur se contente de gore vulgaire. On pense notamment à ce twist final, révélant une maison sur l’île déserte où sont prisonniers nos personnages, maison connue de McAdams. On souffle face à cette révélation tombant comme un cheveu sur la soupe et transformant cette fin en un slasher déjà vu et prévisible, reprenant les codes des Scream sans leur aspect ludique. On souffle plus qu’on a peur.
Cette exaspération à l’égard du film se porte notamment sur le traitement de ses thématiques. Film présentant les problèmes de la domination masculine capitaliste ? La première partie, à l’écriture caricaturale, donne cette idée. Un mauvais film critiquant cette domination reste un mauvais film, mais peut au moins porter en lui un fond intéressant qui aurait mérité une meilleure forme. Sauf que Send Help ne comprend pas les rapports de force qu’il filme. En les modifiant, il ne devient pas subversif dans son traitement de la condition féminine dans un système capitaliste, il perpétue les violences du système en inversant les rôles de dominant / dominé. Le personnage de McAdams devient profondément détestable, est filmé de manière à être détesté et comporte tous les défauts du personnage de Dylan O’Brien. Send Help ne propose pas une échappatoire au système de domination, ni même un plaisir régressif s’en moquant, il cherche à créer en nous une haine progressive à l’égard des deux personnages. Une fois que les deux sont haïs, tout le fond que pouvait porter le film s’évapore, la critique du capitalisme devient une volonté de reproduire le système ; la critique de la domination masculine se soustrait à une recréation de la violence du système.
Sam Raimi se veut contemporain, il est pourtant resté coincé dans les années 2000. Autant sur le fond que sur la forme, son film ressemblant à n’importe quel survival de cette décennie. Un nouveau réalisateur rentre dans le club des cinéastes incapable d’évoluer, incapable de quitter leur gloire passé.

Marty Supreme de Josh Safdie
Josh Safdie, dans son premier film en solitaire, se veut héritier de Martin Scorsese dans son choix d’histoire, le biopic d’un homme détestable. A-t-il seulement compris que les hommes performateurs toxiques dans les chefs d’œuvres de Scorsese sont sujets de critique et non d’admiration ? DiCaprio dans Le Loup de Wall Street est présenté comme un être pathétique dans une critique du capitalisme ; DiCaprio toujours dans Killers of the flower moon représente le ridicule du racisme ; De Niro dans Raging Bull est une critique d’une masculinité toxique ; De Niro, il y a deux acteurs Scorsesien après tout, dans La Valse des Pantins est une satire du fanatisme outrancier des spectateurs de télévision. Scorsese ne se pose certes pas au-dessus de ses personnages avec un regard uniquement moralisateur, il essaie de déceler de l’humanité dans leurs maux mais il n’hésite pas à critiquer ceux qu’ils filment et le système les ayant fabriqués. Josh Safdie l’a t il compris ? Difficile à croire quand le réalisateur ne retient pas même de Scorsese la mise au niveau des personnages. Josh Safdie se place en dessous, glorifiant Marty Mauser, campé par Timothée Chalamet, ne le questionnant jamais. Certains diront que la fin montre un changement de point de vue du personnage, une remise en question de ces objectifs. On répondra qu’on ne voit pas de la même manière ce final. Certes Marty ne va pas au championnat, il a tout de même gagné face à la seule personne qui l’avait battu au ping pong. Certes il se retrouve père alors qu’il refusait la paternité, son départ pour le Japon alors que la mère est à l’hôpital donne une idée de son ordre des priorités. Certes il n’est pas le champion du monde de ping pong, il a refusé lui-même de le devenir par question d’égo personnel. Non, le final ne questionne pas ce personnage détestable, ni ne filme un changement d’attitude de sa part. Marty Mauser reste un salaud porté par son ego. Est-ce un problème de filmer des personnages détestables au cinéma ? Bien évidemment que non, Scorsese le fait tout le temps, mais interroge ces personnages, il ne les glorifie pas. Filmer des personnages détestables permet des films moralement éprouvants, pouvant ouvrir une réflexion sur nos propres failles et celles de la société. Aucun Autre Choix sorti ce mois-ci en est un parfait exemple : le protagoniste est détestable comme Marty Mauser. Or, contrairement à Josh Safdie, Park Chan-Wook développe ce thème. Chez Park Chan-Wook, le protagoniste agit détestablement parce que son ego masculin fait face au poids d’un système capitaliste utilitaire : le réalisateur critique le système et les individus qu’il provoque, en donnant son importance au personnage féminin principal notamment. Safdie ne s’intéresse pas à la critique : Mauser est glorifié, le film ne prend même pas en compte qu’il soit détestable. Tout est fait pour nous faire nous accrocher à lui. Prenons par exemple le choix des musiques, reconnaissables, appréciables, donnant un grain nostalgique au film par leur emploi : elles cherchent à créer un ancrage affectif immédiat avec Marty, empêchant une réflexion critique à son sujet. Josh Safdie cherche à créer un film confortable par sa musique, par son montage entraînant ne donnant pas le temps de souffler. L’objectif ? Ne pas questionner Marty Mauser en tant que réalisateur, ne pas même nous laisser en tant que spectateurs le questionner.
On fait face à un film « good vibe » nous présentant un homme détestable, glorifié, ayant raison sur tout. L’équivalent de Marty Supreme est une jolie affiche, pleine de couleurs, de vie, de rythme, mais servant à faire la promotion de propos questionnables et d’un schéma masculin déjà remis en question il y a quarante ans. L’affiche présente aussi des thèmes importants : la survie dans les camps de concentration, une agression physique envers une femme. Mais il s’agit de touts petits dessins sur l’affiche par rapport à l’homme glorifié par celle-ci, se servant de ces thèmes pour être mis en avant, et non l’inverse. Le crayon esquisse les thèmes importants puis, du même trait et de la même flegme, va iconiser Marty Mauser. La gloire doit être apportée à Timothée Chalamet, tête d’affiche dans ce rôle à la mesure de son ambition : jouer un personnage Scorsesien, sans le talent de Scorsese, lui permettant d’obtenir son oscar. La comparaison avec Scorsese va encore plus loin dans ce choix d’acteur, Chalamet se réclamant héritier de DiCaprio. L’acteur veut sa statuette dorée, la réclame très fortement pendant les 2h30 du long-métrage au point que sa performance en devient détestable. Chalamet est un démarcheur voulant si fort que l’on achète son produit. Il n’est pas tant doué dans son démarchage, il met plutôt tout en place pour l’aider dans sa vente (il est producteur du film après tout). Il veut tant nous vendre son produit qu’on finit par l’acheter. Pas par plaisir de lui acheter, simplement pour qu’il nous laisse tranquille.

Womand and child de Saeed Roustayi
Critique écrite en mai 2025, soit avant les événements récents survenus en Iran. Nous apportons un soutien total à la population iranienne.
Trois ans après le drame familial Leila et ses frères, le réalisateur iranien Saeed Roustayi revient à Cannes avec le mélodrame Woman and child, reparti bredouille en fin de compétition. À l’instar de Leila et ses frères, le côté mélodramatique est parfois trop poussé, limitant la portée du long-métrage à ses propres retranchements tandis que le pathos vient ralentir le rythme et crée plusieurs fois une impression de finalité du long-métrage en raison de plans semblent propices à une conclusion. Woman and Child continue toutefois ce que la filmographie de Roustayi avait déjà commencé à faire, un portrait de l’Iran moderne par le biais du médium cinématographique. Contrairement à Mohammad Rasoulof dont l’excellent Les graines du figuier sauvage était reparti avec un prix spécial du jury en 2024 à Cannes ou à la palme d’or 2025, Un simple accident, Roustayi préfère critiquer le système iranien non de front mais en s’attaquant plutôt à des problèmes sociétaux, à l’image de la nouvelle vague espagnole lors du régime franquiste. La méthode de Roustayi semble fonctionner, son film ayant été autorisé par le régime iranien, lui permettant donc de sortir dans le pays et, peut-être, de donner à voir une alternative pour les iraniens.  En critiquant le système iranien de l’intérieur, Roustayi dresse ici un portrait de femmes iraniennes devant faire face à une hérédité du patriarcat imposée par les conventions conservatrices du pays. Ce rapport patriarcal se lie au rappel du manque de moyens accentuant la misère et du profit pour certains du malheur des autres. Un regard sur l’Iran actuel cru, reposant certes trop sur des dialogues, mais que l’image vient accentuer. Le long-métrage n’oublie pas de créer des moments plus doux, nous rapprochant ainsi des protagonistes, alliant habilement la tragédie de la vie de l’héroïne et des instants plus posés où la caméra et le sublime jeu de Padrina Izadyar viennent nous convaincre de rester dans le récit. Tout le casting est par ailleurs excellent. On notera notamment des progrès sur la photographie par rapport aux précédents films du réalisateur, le manque de moyens ne se faisant plus ressentir. La réalisation est d’ailleurs ici plus maitrisé que précédemment chez Roustayi, créant une tension par le travail du son et la manière de filmer les électrochocs mais aussi dans la gestion des cadres, jouant avec les portes, les ouvertures et les fenêtres pour faire comprendre isolement, amour et enfermement. Cette réalisation gagne en intensité dans sa gestion des raccords regards et des champs contre-champs, que ce soit lors de l’enterrement où le mouvement de caméra nous indique vers quoi tend l’intrigue, tout comme le regard de la mère à sa fille chez l’avocat ou encore le dernier plan, faisant le judicieux choix de ne pas revenir sur Payman Maadi et donnant ainsi un espoir d’avenir meilleur à travers une certaine sororité. Si tout n’est pas encore parfait sur le plan cinématographique, Roustayi offre encore un beau film sur la société iranienne actuelle.