Les films d’octobre 2025 et critique de Un simple accident

A big bold beautiful journey de Kogonada
Porté par Margot Robbie, dans son premier rôle depuis le succès de Barbie et Colin Farrell, le nouveau film de Kogonada ne pouvait que faire envie par la rencontre de ces deux acteurs. Lorsque cette rencontre se fait, l’alchimie manque pourtant. Margot Robbie essaie de la créer lors de la première partie du film avant que, faute de dialogues et de manque d’épaisseur à son personnage, elle ne finisse par tirer son jeu en longueur, se répétant et tombant dans une grossièreté qu’elle sait pourtant habituellement éviter. Farrell quant à lui reste monotone la majorité du film, ne créant pas d’alchimie avec sa partenaire, à l’exception d’une scène où il se révèle torse-nu et quelques autres où il quitte sa carapace stoïque pour un jeu plus ouvert, plus prenant.
Hamish Linklater, dans un rôle secondaire, vient au contraire amener ce qui manque au film, de l’émotion sincère. Que ce soit par la non-qualité des dialogues, alternant entre volonté de philosophie du dimanche et ridicule mièvrerie, ou par le jeu des acteurs ne parvenant à dépasser ce stade initial, A Big Bold Beautiful Journey tombe à plat la plupart du temps, ne créant pas l’émotion pourtant si recherché et gâchant le potentiel de son concept, problématique sur plusieurs points mais donnant envie d’être creuser.
Pourtant, alors que la réalisation crée un enchaînement de scènes attendues, dans leur construction filmique et narrative, et aboutit à un climax mélodramatique remplissant un cahier des charges presque impersonnel, les choix de musiques parviennent à créer un artifice d’émotions, artifice certes, mais artifice faisant effet lorsque lié à des scènes visuellement travaillés. Alors que l’on a conscience de cet aspect artificiel, le film réussit par moments à nous prendre avec lui avant de nous rappeler face à quoi l’on se trouve : une coquille vide qui, telle une horloge cassée donnant la bonne heure deux fois par jour, se remplit d’émotions à quelques rares instants. 

Chien 51 de Cédric Jimenez
Chien 51 se veut ambitieux dans son projet : filmer une dystopie française basée sur le roman de Laurent Gaudé. Les 40 millions de budget sont cohérents pour les ambitions du long-métrage. Pourtant on se demande où ils sont passés. Parfois, on les trouve à l’écran dans certains décors, certains effets spéciaux et certaines idées d’accessoires ou de procédés filmiques (filmer le champ-contre champ en un seul plan par exemple, créant une sensation d’ubiquité cohérente avec l’idée d’un monde ultra-surveillé). Mais souvent, cet argent est absent de l’écran : les faux journaux rappellent notamment une vidéo YouTube ou des tournages étudiants, bien moins coûteux mais tout autant crédibles, si ce n’est plus. On finit par ne pas toujours croire en cet univers, on sent la volonté de nous y amener, mais entre les effets parfois cheap et le casting, pas toujours crédibles, Chien 51 laisse à côté : l’envie de rentrer est là, de s’intéresser à cette enquête est présente, mais les portes d’entrée ne sont qu’entre ouvertes.
Se basant sur le roman de Laurent Gaudé, Jimenez se doit de présenter l’aspect social voulu par ce qu’il adapte : un Paris divisé entre les riches et les pauvres, où le capitalisme s’est lié à l’ultra sécuritaire pour empêcher un changement dans l’ordre établi. Sauf que cet aspect social n’est qu’un arrière-plan, sous-entendu par le groupuscule de Garrel et les dealers. Jimenez ne le nie pas mais s’intéresse avant tout à l’action. Dommage que celle-ci ne soit pas toujours lisible visuellement. 
Pire, lorsque la grande révélation est faite, l’IA a pris le contrôle, le gouvernement apparaît presque déculpabilisé, la responsabilité revenant entièrement à l’IA. Jimenez dépolitise son film dans son final, retirant l’aspect social si intéressant pour une critique de l’IA, tout aussi intéressante, mais empiétant sur l’autre critique. La révolte finale, accentuée par la musique, peut laisser penser qu’un lien est fait entre les deux thèmes, mais la caméra a déjà fait son travail, a déjà dépolitiser le film de son sujet.

La petite dernière de Hafsia Herzi
L’actrice Hafsia Herzi, césarisée en début d’année pour son rôle dans Borgo (Stéphane Demoustier) s’est retrouvée en compétition à Cannes, non en tant qu’actrice mais en tant que réalisatrice avec La petite dernière, adaptation du roman de Fatima Daas sur l’acceptation de sa sexualité tout en conservant son héritage musulman.
Si certains choix posent question, que ce soit au niveau de la représentation, des dialogues ou du rythme, la volonté de rendre cette histoire plus universelle arrive lors des moments plus poétiques du film à briller. Il n’est plus seulement question de l’émancipation d’une femme musulmane mais de n’importe quelle personne cherchant sa sexualité et faisant face au poids de n’importe quelle religion ou figure d’autorité. C’est en cela que les différents parallèles avec la philosophie que trace le film permettent à rendre plus clair son message et à servir le propos du long-métrage.
La réalisation de Herzi parvient parfaitement à capter des simples gestes, des visages et des moments avec une justesse et une attention donnée à ce qu’elle filme. Se dresse alors un cinéma des gestes, de ce que Béla Balazs considère comme des métonymies visuelles par les gros plans, le tout avec une affection particulière pour les protagonistes.

Arco d’Ugo Bienvenu
Il semblerait que le cinéma d’animation se soit officiellement donné un nouveau mot d’ordre depuis Flow et Le Robot Sauvage en 2024, et quelques occurrences passées, à savoir créer des univers futuristes où l’amitié a son importance à travers des fables écologiques. Arco s’inscrit dans ce nouveau projet du cinéma d’animation, et développe la pluralité étonnante de possibilités qu’offre ce nouveau trope. 
Écrit et réalisé par un bédéiste, Arco témoigne de la pâte de son auteur dans les graphiques des personnages mais travaille ses décors avec le plus de liberté stylistique possible. Ainsi les nuages sont en aquarelle, l’inspiration de Miyazaki est assumée, et l’animation fait vivre deux univers, la nature et la société futuriste où des hologrammes remplacent des vases, où les robots remplacent l’humain. Tout en mettant l’accent sur l’importance des relations humaines perdues, le film fait preuve d’une étonnante nuance sur les robots par le personnage de Mikki, où à l’image de Wall-E le film donne une sincérité à ceux qui finiront par faire le sale boulot à notre place. 
L’humanité court à sa perte par son inaction écologique et son manque d’empathie, mais Ugo Bienvenu propose une réponse optimiste. Il vient alors nous toucher, nous émouvoir par la musique épique et révélatrice, par l’amitié entre Iris et Arco, par l’humour de ce trio de personnages secondaires décalés, par sa capacité à faire briller son film de mille couleurs, éclairant les yeux et le cinéma d’animation. Comme pour le Robot sauvage, il est intéressant de constater que Miyazaki, lui-même derrière des fables écologiques animées, semble être l’influence visuelle première d’Arco. Mais qu’aucun des deux films n’est un pastiche, une copie ou un plagiat de Miyazaki mais bien des inspirations créant leur propre univers, leur propre art de l’animation : l’héritage d’un des grands du cinéma d’animation moderne est assuré, non seulement au Japon ou aux États-Unis mais aussi en France.

Nouvelle Vague de Richard Linklater
L’intérêt de Richard Linklater en filmant Nouvelle Vague semble se trouver dans la reproduction fantasmée de la France de la fin des années 1950, s’amusant à filmer le Paris et le Cannes de l’époque en noir et blanc et en 4/3. Cette vision fantasmée d’une autre époque cinématographique s’apparente au fur et à mesure du film à un concours d’anecdotes et de références sur la Nouvelle Vague, en témoignent les plans fixes sur les acteurs accompagnés d’un petit écriteau précisant la figure historique qu’ils interprètent, même lorsque celles-ci n’est là que pour le plaisir d’un caméo afin de satisfaire un public cinéphile. Nier que ce plaisir se crée serait nier une réalité tout comme nier l’aspect page Wikipedia de ce procédé, limitant la reproduction de l’époque à un fantasme cinéphile. Pourtant sur un point, cette reproduction réussit à quitter l’état de vision états-unienne d’une France révolue, le casting. Déroutant au premier abord, faute à des répliques se voulant marquantes (les « punchlines » de Godard principalement), ils arrivent, plus le film avance, à donner une consistance à cette reproduction : ils ne sont plus simplement des copies physiques des figures historiques, ils donnent de la vie au récit, de l’alchimie entre eux. La faute n’est donc pas la leur, ceux-ci dépassant la reproduction pour du cinéma, ce que Linklater vient contrebalancer par son sorte de fanatisme à l’égard de Godard. Il ne se contente plus de prendre du plaisir à filmer un vieux Paris, il frétille à l’idée de filmer celui qui semble être son idole, un Godard auquel il fait taire les contradicteurs (Seberg et Beauregard, seuls à véritablement le contredire, semblent voir leurs accusations mises de côté lorsque le final présente Godard comme un génie). Paradoxalement, cette fascination pour Godard ne s’accompagne pas d’une envie de reproduire son style, ne prenant pas les conseils du réalisateur.Outre le casting qui dépasse sa condition de représentation, le seul élément de la vie, le seul aléa venant s’imposer au film est l’apparition aléatoire de perforations de la pellicule, donnant plus l’effet d’un filtre qu’autre chose mais étant la seule trace d’une leçon de Godard à Linklater. Nier un plaisir cinéphile ou le talent des interprètes serait mentir, mais au-delà d’une mignonnerie admirative envers Godard, Nouvelle Vague n’apparaît que comme la reproduction fantasmée et creuse d’une époque de cinéma révolue, remplaçant sa révolution par une conservation.

Marcel et Monsieur Pagnol de Sylvain Chomet
Marcel et Monsieur Pagnol est avant tout un mignon hommage au dramaturge-cinéaste-académicien-romancier qu’était Marcel Pagnol. Cette mignonnerie, et le plaisir qu’y en né de suivre ses aventures jusqu’au succès convainc de rester tout le long du film. Le choix de lier le jeune Marcel au vieux Pagnol, jouant entre la vie et l’image fantomatique cinématographique n’est pas pour rien dans cet intérêt qui se crée dans le film.
Mais malgré ça, le tout apparaît trop rapide, enchaînant les scènes de vie et remplaçant les amoureuses de Pagnol sans laisser le temps d’en profiter. Un aspect survolé en ressort, tout comme l’impression de tomber dans le cliché du personnage féminin remplaçable, présente que pour ce qu’elle apporte au protagoniste. Le film en devient survolé.De cet aspect survolé, seule la petite musique y apporte de l’émotion au début, jusqu’à ce que la narration décide enfin de rejoindre le combat à travers le regard artistique porté par le film (mélange entre animation et extraits des films de Pagnol), touchant enfin la recherche cinématographique d’un tel projet.
Moins réussi que Le petit Nicolas qu’est ce qu’on attend pour être heureux, autre biopic d’animation récent dont le film de Chomet rappelle certains éléments (Lafitte au doublage notamment), ce Marcel et Monsieur Pagnol en reste suffisamment mignon pour ses 1h30.

Kaamelott : Deuxième Volet partie 1 d’Alexandre Astier
Merci à Alain Chabat, Anne Girouard, David Ayala, Guillaume Gallienne et quelques autres acteurs de venir sauver en quelques répliques le film, apportant une touche d’humour pour le peu qu’ils ont à disposition. Cela change de l’ensemble, où se rencontrent acteurs ne sachant pas jouer et surjeu Kaamelotien par cris excessifs, efficace sur 3min, poussif sur 2h20. 
L’autre problème du film est d’ailleurs ici, le passage de la série au long format. Pas toujours géré dans le premier volet, l’envie de cette transition se ressentait pourtant dans les ambitions d’Astier, pas toujours réussies, mais voulant aller à l’essentiel et offrir un grand spectacle au-dessus de ses moyens et de son talent. Certes, son personnage n’évoluait pas et il cherchait plus à satisfaire les fans qu’à mettre en œuvre ses idées, son ambition était visible par instants. Cette fois, la caméra est mieux maîtrisée (quand l’intérêt est autre que de filmer en gros plan), mais le scénario n’est plus celui d’une tentative de film, il est l’assemblage de scènes qui auraient été plus drôles sous le format court de la série, parce que ensemble, elles manquent de liens, d’organicité et de cohérence chronologique. La fin, cliffhanger de série, achève ce que le montage narratif avait déjà commencé à faire : nous faire comprendre que nous avons perdu 2h20 dans lesquels rien n’a changé, pire, rien ne s’est passé.
Arthur n’évolue toujours pas, et, à l’image d’Astier, ne semble plus qu’être à l’écoute de son propre ego. Cette écoute égotique se ressent lorsque le personnage de Perceval est mentionné : l’acteur avait refusé de reprendre son rôle n’aimant pas l’écriture de son personnage dans le film, Astier a préféré le laisser partir et rejeter dans le film les traces du personnage à la mer, sa rengaine dépassant le réel pour s’inscrire dans la fiction.Quelques éléments sont à sauver (le discours sur l’aventure, la scène d’introduction, une partie du casting, les décors et costumes) mais force est de constater que Alexandre Astier a perdu intérêt en Kaamelott, n’offre comme personnages que les caricatures de ce qu’ils étaient avant, perd son temps dans des quêtes inutiles, transforme l’humour de Kaamelot en mélange entre cris et beauferies, ne sait mettre en lumière ce que se sont appliqués à faire différentes unités, et est incapable de questionner ses choix. Mais force est de constater qu’en tant que spectateurs de la série, admiratif du tournant pris dans les saisons 4 et 5, une envie de voir où cela va nous mener dans le troisième volet persiste, même si tout porte à croire que le naufrage rêvé par la dame du lac devienne une réalité.

A House of Dynamite de Kathryn Bigelow
Drôle de projet que A house of dynamite dans lequel Kathryn Bigelow filme un groupe d’acteurs de série que l’on prend plaisir à regarder, sous-entend un regard politique sur le nucléaire et le rôle des États-Unis, tente de la tension mais au final tombe dans l’oubli mémoriel. L’abus de la musique, pourtant excellente quand elle n’est pas surexploitée, joue peut-être dans ce manque d’intérêt progressif envers le film, au-dessus de la moyenne des productions Netflix mais connaissant au final le même constat, on finit par faire autre chose à côté. La tension trouve son paradoxe : efficace mais broyée par le modèle de visionnage et l’abus de la musique. Peut-être qu’au cinéma, le film nous aurait plus pris, et aurait laissé le temps nous faire penser aux différents défauts, nous faire réfléchir progressivement au film et non directement devant, passant à autre chose dès le début du générique. Le cinéma évolue, les moyens de visionnage aussi, malheureusement, et une telle sortie se retrouve sur Netflix alors que l’expérience salle lui aurait été plus que bénéfique, aurait permis de de s’intégrer plus facilement dans l’histoire, de ne pas en être repoussé dès la deuxième partie, retombée de la tension laissant prévoir un schéma structurel attendu.
Tout partait bien, un carton d’introduction faisant comprendre l’idée du film (la menace nucléaire ne s’arrêtera jamais, c’est trop tard pour cela), le plaisir de voir quelques acteurs de série et secondaires (Willa Fitzgerald, Moses Ingram, Anthony Ramos) et Rebecca Ferguson (puis Idris Elba dans la troisième partie), ainsi qu’une mise en tension in media res efficace. Puis le film avance, les problèmes de visionnage jouent sur l’attention, le film apparaît alors plus petit que ce que le début laissait penser, les enjeux se répètent, la structure lasse légèrement, la musique sature. A house of dynamite aurait pu nous confiner, nous en dire plus sur les États-Unis face à la catastrophe nucléaire, à la place il nous divertit pendant 1h40, nous donne plaisir à voir un casting irréprochable et évite les lacunes d’une vision propagandiste pro-US mais aurait gagné à creuser cette question.