Les films de janvier 2026 et regard sur une tendance hollywoodienne

Father, Mother, Sister Brother de Jim Jarmusch
Father, Mother, Sister Brother. Le titre du film nous l’annonce, on va entendre parler de familles pendant près de deux heures. Rien de mieux après la période des fêtes de fin d’années où nombreux sont ceux à revoir leur famille à ce moment-là. Dommage que Jim Jarmusch se contente d’ouvrir dans une certaine douceur poétique des portes de réflexion mais ne s’y confrontent pas, ne pénètrent pas la pièce pour traiter directement de la famille.
Nouveau film du réalisateur états-unien, Father, Mother, Sister Brother se compose de trois histoires. Dans la première, Adam Driver et Mayim Bialik rendent visite à leur père, Tom Waits. Dans la deuxième, Cate Blanchett et Vicky Krieps rendent visite à leur mère, Charlotte Rampling. Dans la troisième, Indya Moore et Luka Sabbat ne rendent pas visite à leurs parents mais à leur ancien appartement. Ce montage est parvenu avec un lion d’or à Venise qui laisse perplexe. Les festivals récompensent-ils dorénavant plus un nom qu’un film ? Father, Mother, Sister Brother n’est pas tant social, laissant en toile de fond les sujets qui auraient pu être traités plus frontalement (la fausse-pauvreté du père, les différences sociales des deux sœurs, le grand appartement parisien). C’est le choix du film, on ne peut lui en vouloir de ne pas en faire un sujet. Il cherche à être subtil, il en perd la confrontation et ne trouve pas non plus l’émotion. Certes, le film est doux, sans être pour autant relaxant, mais il gagne en douceur ce qu’il perd en vitalité et en développement. Qu’a-t-on appris de la famille au sens large à l’issue de ces deux heures ? Pas plus que l’on a appris des trois familles. D’autant plus que malgré toutes les différences qu’il impose à ces trois histoires, elles racontent la même chose, transformant Father, Mother, Sister Brother en une répétition, souvent bien filmée et bien photographiée, d’un sujet déjà traité.
Jim Jarmusch a planté les graines du traitement de la famille mais n’a récolté que le vide et l’ennui. Dans la deuxième partie, Cate Blanchett hésite à fermer ou à laisser ouvert le portail à l’entrée de la maison de sa mère. Finalement, elle le ferme. On ne dira pas qu’elle laisse le spectateur en dehors, au contraire cette partie est la seule dans laquelle on a été accueilli. On dira plutôt que cette porte entre ouverte est à l’image du traitement de la famille du film : une porte ouverte que le réalisateur enfonce puis referme, comme fier de lui d’avoir traité le sujet dans son intégralité. Sauf que tout ce qui est dit était déjà connu. On en veut pas pour autant à Jim Jarmusch, le réalisateur cachant sa fierté malgré tout et ne donnant pas de sentiment de supériorité sur nous. Sauf peut-être lors de ces ralentis et de ces travellings, moments appuyés avec une telle force qu’ils en perdent toute la douce subtilité jusque-là instaurée.
On finit par penser devant ces trois familles dysfonctionnelles à La Famille Tenenbaum de Wes Anderson. On retrouve des similarités dans les choix musicaux et les rapports conflictuels, même parfois dans les pointes d’humour. Mais il manque au film flegme de Jarmusch un souffle de conflit marqué, porteur d’émotions. Si Wes Anderson fait du cinéma avec des familles dysfonctionnelles, Jarmusch instaure le cinéma dans le vide de la famille. Parfois ça marche, on est loin d’un mauvais film, mais souvent ça ennuie.

Blue Moon de Richard Linklater
Après le biopic de mauvais élève / grand admirateur qu’était Nouvelle Vague, on était en droit de se demander si Richard Linklater parviendrait à remettre du charme dans ses films. Son nouveau film, Blue Moon, biopic de Lorenz Hart, diffère de Nouvelle Vague. Moins défenseur absolu de son sujet, Linklater ne le remet pas pour autant en question mais évite de justifier ses moindres faits et gestes. Ce qu’il garde de Nouvelle Vague pourtant est l’incapacité à s’ouvrir aux autres. Linklater n’est plus qu’un réalisateur pour convaincus de son cinéma, pour fans de ceux qu’il filme.
Basé sur la vie de Lorenz Hart, campé par Ethan Hawke, Blue Moon trace un petit chemin vers les oscars (quelques nominations). Malgré cela, il se retrouve bloqué en VOD en France, continuant la malédiction française du réalisateur, deux ans après Hit Man lui aussi sorti directement en streaming. On retrouve aux côtés de Hawke, Margaret Qualley et Andrew Scott.
Là où Hit Man tiré parti d’une histoire vraie pour en créer un hommage au métier d’acteurs, Blue Moon ressemble bien plus à n’importe quel biopic produit par une plateforme, voire par la télévision. Tout est parlé, au point de ressembler à du (mauvais) théâtre filmé voire à un (mauvais) livre audio. Rien ne donne au film d’épaisseur. Les biopics doivent-ils manquer de vie à ce point ?
Dès le début du film, rien ne cherche à nous accrocher, tout est plat. Ethan Hawke essaie tant bien que mal, bien que son jeu finisse vite par cabotiner et fatiguer. Mais face à lui, les acteurs ne donnent rien pour l’aider à sauver des dialogues encombrants. Dire qu’aucun acteur ne provoque quelque chose serait mentir, Margaret Qualley et Andrew Scott parviennent miraculeusement à (presque) faire oublier la gêne des dialogues et à fournir un minimum de vie. Mais ils s’en vont bien vite, nous laissant avec Ethan Hawke se plaignant de ses œuvres dans un bar filmé de la manière la plus conventionnelle qu’il soit. Là où sur Nouvelle Vague il avait au moins le casting pour créer un semblant d’intensité, il n’y a qu’ici que les quelques passages de Qualley et Scott pour intéresser. Les acteurs ne sont pas les seuls fautifs de l’aplatissement du film, l’éclairage digne d’une production France 3 a sa part de responsabilité. Au moins, l’ensemble est cohérent.
Quand bien même on parvient à passer la banalité visuel et d’écriture, le film reste profondément ennuyeux. Le personnage de Hawke parle de références que l’on n’a plus, comme si on était censé les connaître par cœur. Là d’ailleurs, Linklater retrouve sa manière de concevoir les biopics qu’il avait avec Nouvelle Vague, une conception mettant en avant du “name-dropping” à foison, afin de faire le plus plaisir possible au public de connaisseurs. Ce qui aurait pu être des références appréciables pour ceux les possédant devient dérangeant. D’autant plus que tout passe par les dialogues, ce qui est déjà fatigant en soi, faire d’eux une ribambelle de références donne le même effet qu’un conversation dans laquelle l’interlocuteur parle de personnes que l’on ne connaît pas. Pire, il ne donne pas envie de s’y intéresser. Même si on parvient à trouver sa place dans cette conversion de vieilles personnes, qu’on essaie de discuter avec eux, on finit par s’ennuyer devant l’incapacité des participants à changer de disque.
Peut-être que Richard Linklater en a pris conscience et que c’est pour cela qu’il nous impose la mort de Lorenz Hart en début de film, comme voulant nous stimuler sur la vie de ce personnage. Cet aveu d’échec ne confirme que ce que l’on pensait : Linklater n’est plus un passeur, il n’est qu’un fan incapable de créer de l’intérêt à l’égard de la génération qu’il adule. Ce début ne nous stimule pas plus que les scènes suivantes, il ne crée aucune tension ni aucun suspens. Il ne donne pas même envie de s’intéresser à la vie de Lorenz Hart. Le réalisateur a perdu l’intensité de ses œuvres, il n’en reste que l’ennui. 

Baise-en-ville de Martin Jauvat
Tout banlieusard est en mesure de se reconnaître devant Baise-en-ville. La reconnaissance suffit-elle à faire un bon film ? On peut aussi se reconnaître dans des films très mauvais et au contraire ne pas se reconnaître devant d’excellents films. D’ailleurs, ce personnage principal de Baise-en-ville n’est pas un banlieusard lambda traditionnel mais bien un personnage à part-entière avec sa manière de parler propre, ses défauts singuliers, son propre univers. On est en mesure de se reconnaître devant le film plus que devant le personnage parce que le film parvient à présenter tout ce qui fait la banlieue. Et il le fait avec un tel amour, sans pour autant être niais, qu’on ne peut qu’être conquis.
Baise-en-ville est le second long-métrage de son réalisateur, Martin Jauvat. Comme pour son premier, le cinéaste s’attarde à traiter de la vie de la jeunesse de banlieue, le tout avec un humour proche du Palmashow, mais en plus cinématographique. Car si l’humour du duo de YouTube fonctionne bien sur deux minutes, Les Vedettes a montré qu’il lassait sur 1h40. Pour Baise-En-Ville, on craint l’instauration d’une routine comique qui n’arrive jamais. C’est assez beau de voir un film capable de se relancer constamment dans son humour tout en maintenant une constance globale. Au début, on rit du décalage du protagoniste avec le monde qui l’entoure, puis ensuite du décalage des personnages autour de lui (Chassagne, Lebghil) avant de rire de la rencontre de ces décalages. Puis l’humour transitionne de nouveau quand Emmanuelle Bercot gagne en importance : le duo formé avec Martin Jauvat (qui ne fait pas que réaliser mais joue aussi le premier rôle) relance le récit par ce contraste de deux époques, d’une jeunesse perdue essayant de faire de son mieux et d’une personne plus âgée cherchant à aider cette jeunesse à s’amuser. La lenteur attachante et drôle du premier fait face au dynamisme constant de la seconde. L’humour ne se fait pas seulement dans les dialogues ou les situations, mais aussi dans les confrontations d’univers. Même quand on pense avoir faire le tour de cette confrontation, une fois que ces deux cordes désynchronisées se sont mises au même diapason, le film renverse encore sa situation : on rit avec les personnages cette fois côte à côte face au monde bourgeois qui leur fait face. La comédie ne lasse pas, ne se répète pas, mais parvient à garder sa cohérence, même lorsqu’elle introduit de la tragédie. Rire devient plus facile quand l’humour nous rappelle à ce qu’on connaît, ici la banlieue, ses joies et ses défauts : vecteur d’humour et d’intimité. 
D’ordinaire ce genre de comédie peine lorsqu’elles touchent au tragique et à l’émotion. On pense notamment encore aux films du Palmashow. On craint donc que ce soit aussi le cas pour Baise-en-ville quand le personnage reconnaît sa dépression. Mais cette fois-ci étonnement tout coule comme de l’eau de roche. Peut être par ce que le réalisateur a, depuis le début, préparé cette piste par ses recherches cinématographiques. On pense notamment aux variations du cadre, donnant déjà ce sentiment d’enfermement / de perte du personnage dans un cadre lui étant imposé. Même dans la pure comédie, des pistes tragiques sont posées afin de rendre ludique ce changement (très) léger de ton. Martin Jauvat aura réussi à faire ce que nombreux réalisateurs de comédie peinent à réaliser, la mise en place de drame intimiste dans une comédie plus grande. On ne pleure pas, mais on est touché tout de même. Un peu comme lorsque l’on rencontre n’importe quel humain, les émotions qu’il nous procure sont diverses. Baise-en-ville est une comédie des plus humaine, des plus vraies malgré tout ses artifices.  
Le film avait tout pour se vautrer, mais réussit ce qu’il entreprend. Ce qui aurait pu vite tourner au cringe devient un bon moment de rigolade réflexif par l’humanité qu’il fournit. On connaît ces personnages, on comprend ces situations : le film devient un ami, un ami qui nous fait rire mais ne se limite pas qu’à cela.

Greenland 2 : Migration de Ric Roman Waugh
Greenland : Migration est-il premier degré dans ce qu’il raconte ? Si l’on suit cette piste de réflexion, on se retrouverait à un film digne de la nullité de Mission Impossible 8, film profondément débile dont l’ego de Tom Cruise et le sérieux de sa production créent une presque purge (pire existe) au propos questionnable. En suivant cette piste, Greenland 2 ne serait qu’une production Hollywoodienne arriérée de plus vantant les qualités de protecteur de Gérard Butler. Mais cela serait aussi nier le plaisir ressenti devant la générosité nanardesque du long-métrage. Quand tout est fait pour aller vers le too-much, ne cachant pas le ridicule générale de l’œuvre, ne peut-on pas plutôt espérer un nanar débile mais jouissif dans le plaisir régressif qu’il propose ?
Greenland : Migration est la suite du film Greenland, sorti en plein Covid. Petit nanar surprise, le film réussissait par sa débilité à emporter avec lui, malgré ses longueurs, notamment en resserrant ses enjeux apocalyptiques sur le périple d’une petite famille. Toujours porté par Gérard Butler et Morena Baccarin, cette suite tente de mélanger enjeu plus grand (les catastrophes s’enchaînent dans un ridicule incapable de ne pas faire rire) et drame intime (comme le premier, on suit le périple de cette famille qui, sans grande surprise, arrive du point A au point B sans grande difficulté).
Parfois, il faut accepter de faire un pas de côté à sa cinéphilie et se laisser porter par des plaisirs régressifs profondément débiles, vantant les mérites des bons États-uniens, ouverts aux autres et portés sur le sens du sacrifice masculin. Cette vision est utopique d’un côté (il suffit de voir la situation actuelle dans le pays pour comprendre que sous les USA fascistes de Trump, la bienveillance à l’égard des autres est vu comme un signe de radicalisation d’extrême gauche) et arriérés de l’autre (le personnage de Morena Baccarin est bien plus intelligent que celui de Butler, mais Hollywood exige, c’est bien Butler qui est LE héros du film, dans la tradition du cinéma de catastrophe Hollywoodien). Greenland : Migration aurait pu faire mieux sur le second point en s’ancrant plus sur Baccarin, c’est indéniable. Il aurait aussi pu creuser plus son travail sur la migration en elle-même : un thème social se cache là-dedans, thème que le film ne cherche pas à creuser alors qu’il réussirait à rendre son propos moins américano-centré. 
Mais là, n’est on pas en train de trop réfléchir une œuvre que l’on a accepté de voir pour le plaisir régressif qu’elle comprend ? Oui, mais la réflexion n’est pas l’ennemi du plaisir. Bien évidemment que Greenland : Migration n’est pas un bon film. Réfléchir vingt seconde au film suffit largement à y déceler ses défauts visuels et ses failles politiques. Mais si l’on accepte la piste d’un film ne se prenant pas au sérieux, d’un film sincère et conscient de ses failles et de sa débilité, ou au moins un film vide de cynisme et d’égo on ne peut pas nier que le long-métrage réussit à provoquer un véritable plaisir, une émotion pure. Croyons en la sincérité du projet et l’humour qu’il aura provoqué apparaîtra comme conscientisé. Rit-on du film ou avec lui ? On prend le pari de rire avec, et même la scène de mort de Gérard Butler, laissant la caméra montée au ciel dans une grande envolée musicale avec des images de synthèse laissant à désirer laisse à penser qu’on a fait le bon le choix. Si on a tort, on aura perdu 1h40 devant un mauvais film qui aura au moins permis de rire un coup. Vu l’état actuel des comédies états-uniennes, il fallait bien qu’un film fasse rire.

Hamnet de Chloé Zhao
Hamnet est comme un poème qui ne touche qu’à sa dernière
Strophe. Jusque là ennuyeux il devient touchant.
Pourtant académique il devient populaire,
Réussit alors à créer un grand moment

Chloé Zhao, après Marvel adapte Hamlet
Pas la pièce mais le roman de sa création
Son film, se permet des libertés coquettes
Sur la réalité, mais manque de réactions. 

Les acteurs essaient mais ils ne font que surjouer
Jusqu’à cette fin où ils laissent leurs regards parler
Jusque là non touchés, par ce film maniéré
On ressent la peine et l’envie de l’aimer.

Même s’il ne faudrait pourtant pas oublier
L’ennui procuré pendant sa majorité
Romance accélérée, magie non exploitée
Seul du son, de la profondeur était créé.

Personnages survolés, ressentiments muets.
Tout est monotone, comme ses rimes en « é ».
Dès qu’une émotion est, par cris elle doit passer.
On risque de s’endormir malgré la beauté. 

Paradoxe du trop (jeu, pathos) créant du rien
Tout s’inverse lors de la création de la pièce
Les acteurs ne sont plus entre muet et bourrin
En collant à Shakespeare, le texte gagne en souplesse.

En vingt minutes, on pardonne presque le bel ennui
La caméra laisse vivre les mots et les regards
Ne cherche plus à garder froideur de la nuit
Mais vante qualités réparatrices de l’art. 

Au final, Hamnet nous aura quand même touché.
On en vient à ne pas le détester malgré
Sa conformité bien adaptée aux oscars
Où originalité et surprises sont rares.

Les légendaires de Guillaume Ivernel
Alors que les adaptations de BD franco-belges peinent à renouveler leurs sources, Astérix semblant être la seule existante dorénavant, la sortie d’une adaptation animée des Légendaires de Patrick Sobral paraît rafraîchissante. Soyons honnête, la BD franco-belge possède une pléiade d’univers digne d’atteindre le grand écran, mais les studios ont la fâcheuse tendance à se limiter aux mêmes : Ducobu, Lucky Luke, le Marsupilami et Asterix en tête. Même sur les plus populaires, Tintin semble dans un trou noir depuis le film de Spielberg et le développement sans fin de sa suite par Peter Jackson. D’autres adaptations, plus indépendantes, se font, et heureusement. Mais sur les grandes séries, on voit toujours la même chose en salles. C’est donc d’un œil curieux et optimiste qu’on se rend au cinéma voir un film sortant de la boucle répétitive des adaptations de BD. Alors pourquoi ça ne fonctionne pas ? Même en limitant nos attentes au strict minimum, le résultat n’est pas là. 
On pourrait avoir un petit film pour enfants divertissant pour eux pouvant réveiller leur imaginaire un minimum. En l’absence d’un enfant pour répondre si ce film est capable de procurer ce réveil imaginatif, on va se contenter d’y réfléchir avec un œil adulte essayant de se rappeler de ses sensations de jeune enfant.  
On commence cet exercice de mise en situation et alors, les légendaires le film nous rappelle inévitablement quelque chose d’autres du quotidien de notre enfance : les séries d’animation TFou à la 3D plus que discutable. En tout cas, discutable il y a déjà 10 ans. Si l’animation du film rappelle une autre, déjà vieillotte dix ans auparavant, on n’est peu sur que cela est un compliment. Mais la comparaison avec TFou est loin de s’arrêter ici. Outre cette 3D, dépassée et vide, le film ressemble à un épisode d’une série Tfou de l’époque. La manière avec laquelle l’intrigue est construire, passant directement à la réunion des personnages, puis enchaînant très vite avec l’action et ses différents climax avant de se conclure par le teasing d’une suite. Tout ressemble à un épisode pilote dans lequel tout a été mis pour convaincre la chaîne et le public de signer une saison complète. Même le sort du méchant, laissé dans un certains suspens, ressemble plus au teasing d’un méchant secondaire récurent dans la saison, qu’à la fin d’un antagoniste. Ressembler à un épisode de série en soit n’est pas forcément synonyme de mauvaise chose, cela retire de la qualité cinématographique mais les émotions peuvent encore se ressentir. Le problème est plutôt que cela ressemble à un épisode d’une série TFou. Or, si l’on voit qualitativement des programmes d’autres chaînes, on associe rarement la qualité et le souvenir durable aux séries TFou se ressemblant toutes. Et c’est là qu’est le problème principal du film : tout ce qu’il présente est déjà vu. Que ce soit dans la dynamique des personnages, d’ailleurs peu développés, ou dans leur dialogue : on a déjà vu ceux-ci ailleurs, dans d’autres séries/ films pour enfants, par ailleurs plus efficaces. Les dialogues sont attendus et sans grande surprise, les mouvements de camera étonnent par moments mais accompagnent une esthétique consensuelle que l’on connaît déjà. Même la chanson fait penser aux génériques de toutes les autres séries Tfou. Même les voix ne font pas preuve d’originalité, rappelant là encore n’importe quelle série de la chaîne. 
Est-ce à ça que sont condamnés les adaptations de BD hors Asterix et compagnie ? À des pilotes de série Tfou sans grande originalité alors que l’œuvre originale est un puits de possibilité ? Mais comme devant un épisode de série Tfou quand on est enfant, on sait que ce n’est pas le mieux qu’on peut trouver, mais c’est efficace devant le petit déjeuner.